jueves, 23 de mayo de 2013

 
VIÑA ANTINORI/ARCHEA ASSOCIATI
Por: Catalina Gutiérrez
 
 

 
El sitio está rodeado por las colinas únicas de Chianti, cubiertas de viñedos, a medio camino entre Florencia y Siena. Un cliente culto e iluminado ha hecho posible conseguir, a través de la arquitectura, la mejora del paisaje y el entorno como expresión de la valencia cultural y social del lugar donde se produce el vino.
 
 
Por tanto, los aspectos funcionales se han convertido en una parte esencial del itinerario de diseño que se centra en la experimentación geomorfológica de un edificio entendido como la expresión más auténtica de una simbiosis deseada y de una fusión entre la cultura antrópica, el trabajo del hombre, su entorno de trabajo y el entorno natural. La construcción física e intelectual de los ejes de la viña en profunda relación con la tierra, una relación que es tan intensa y sufrida (también en términos de inversión económica) como para que la imagen arquitectónica se ocultase y se mezcle en ella.
 
 
Con esto, el objetivo del proyecto ha consistido en fusionar el edificio y el paisaje rural; el complejo industrial parece ser una parte de este último gracias a la azotea, que se ha convertido en una parcela de tierra cultivada con vides, interrumpida, a lo largo del curvas de nivel, por dos cortes horizontales que permiten ingresar luz al interior y proporcionar a quienes están dentro del edificio con una vista del paisaje a través de la construcción imaginaria de un diorama.
 
 
La fachada, para usar una expresión típica de los edificios, se extiende horizontalmente a lo largo de la pendiente natural, ritmada por las hileras de vides que, junto con la tierra, forman su “cubierta de la azotea”. Las aberturas o cortes discretamente revelan el interior: las zonas de oficinas, organizados como un mirador, y las zonas donde se produce el vino se disponen a lo largo de la mas baja los y las zonas de embotellado y almacenamiento a lo largo de la parte superior. El corazón aislado de la bodega, donde el vino madura en barricas, transporta, con su oscuridad y la secuencia rítmica de las bóvedas de terracota, la dimensión sacral de un espacio que está oculto, no por el deseo de mantenerlo fuera de la vista, sino para garantizar las condiciones termohigrométricas ideales para la maduración lenta del producto.
 
 
Una lectura de la sección arquitectónica del edificio revela que la disposición altimétrica sigue tanto el proceso de producción de las uvas que descienden (como por gravedad) – desde el punto de llegada, a los tanques de fermentación a la bóveda subterránea – y el de los visitantes que al contrario ascienden desde el aparcamiento a la bodega y los viñedos, a través de las áreas de producción y exhibición con la prensa, la zona donde se añeja el vinsanto, para finalmente llegar al restaurante y el piso que aloja el auditorio, el museo, la biblioteca, las áreas de degustación de vinos y el punto de venta.
 
 
Las oficinas, las áreas administrativas y oficinas ejecutivas, ubicadas en el nivel superior, responden a una secuencia del patio interior iluminado por agujeros circulares repartidos por todo el techo. Este sistema también sirve para dar luz a la casa de huéspedes y la vivienda del conserje. Los materiales y tecnologías evocan la tradición local con simplicidad, expresando coherentemente el tema de la naturalidad estudiado, tanto en el uso de la terracota y en la conveniencia de utilizar la energía producida naturalmente por la tierra para enfriar y aislar la bodega, creando las condiciones climáticas ideales para la producción de vino.
 
 
Arquitectos: Archea Associati
Ubicación: Bargino, San Casciano in Val di Pesa, Firenze, Italia
Equipo De Proyecto: Laura Andreini, Marco Casamonti, Silvia Fabi, Giovanni Polazzi
Año: 2012
Fotografías: Pietro Savorelli, Leonardo Finotti
Supervisión Artística: Marco Casamonti
Asistente Dirección Artística: Francesco Giordani
Ingeniería: HYDEA
Cliente: Marchesi Antinori srl
Presupuesto: € 85,052,831
 
 

martes, 21 de mayo de 2013

 
NOWHERE BUT SAJIMA/YASUTAKA YOSHIMURA ARCHITECTS
Por: Fernanda Castro
 
 
 
 
Nowhere but Sajima proporciona un “hogar” temporal para sus huéspedes. El servicio de alquiler semanal es un método relativamente nuevo para operar propiedades y resorts en Japón, permitiendo a los diferentes inquilinos la oportunidad de habitar un “hogar” en una base semanal. Mientras que el término semanal es corto en comparación con un alquiler mensual estándar y largo en comparación con una estadía en el hotel, esta longitud intermedia se adapta a una nueva diversidad de usos.

 
Sirviendo como un espacio para exposiciones, un salón de clases o para fiestas y bodas, la unidad se adapta fácilmente a la imaginación y la invención del inquilino y, al hacerlo, también redefine la gama de actividades que se llevarán a cabo en el “hogar”. Además de adaptar las funciones de trabajo y los negocios, la casa’ vuelve a ser el espacio de muchos eventos de la vida al lado de la función básica de “habitabilidad”.
 
 
El edificio, un bloque triangular compuesto por volúmenes en forma de tubo dirigidos a la costa, se encuentra en un terreno en un pequeño pueblo de pescadores. Mientras que el sitio se enfrenta directamente al mar, también enfrenta otros edificios al otro lado del agua. Para proporcionar la protección adecuada sin el uso de cortinas, se crearon espacios estrechos en forma de tubos que fueron dispuestos en ángulo para proporcionar aberturas hacia el mar. La orientación de estos tubos, naturalmente, bloquea la línea de visión de los apartamentos adyacentes, mientras que mirando a lo largo del tubo desde el interior sólo puede ser visto el océano. Mientras que proporciona un escape del urbanismo  que normalmente llamamos un ‘resort’, el diseño sigue manteniendo los aspectos fundamentales de la experiencia de resort. Hemos creado un lugar que recuerda la cubierta de un barco.

Arquitectos: Yasutaka Yoshimura Architects
Ubicación: Yokosuka Kanagawa, Japón
Cliente: Nowhere resort
Ingeniero Estructural: Akira Suzuki/ASA
Contratista: Heisei Construction
Area: 176.65 m2
Año: 2009
Fotografías: Yasutaka Yoshimura, Chiaki Yasukawa
 

lunes, 20 de mayo de 2013

 
ARTE Y ARQUITECTURA CITYSCAPES/TIM JAROSZ
Por Ana Asensio
 
 
Hay ciudades que contaminan nuestros sueños. Retales de recuerdos de niñez; breves escenas que suceden en un parpadeo en el día a día, como un haiku, en la rutina más densa; deseos de permanecer para siempre entre sus rincones, o de volar lejos de ellas, dejando atrás sus vallas metálicas, sus edificios desconchados, sus muros y calles que se han ido transformando desde que te vieron nacer. Escenas que te persiguen, estés donde estés, invadiendo el subconsciente, recordándote de dónde eres.
La ciudad natal, con todos sus significados, está enlazada al individuo tanto que su perfil, sus olores, sus atardeceres, son parte ya de nuestra más profunda percepción de aquello que nos rodea, provocando que miremos el mundo a través de ella; a través de cómo la sentimos, cómo la recordamos, la soñamos; a ella, a nuestra ciudad.
Este sentimiento se lee en la obra del americano Tim Jarosz, que crea fantásticos paisajes urbanos a través del uso de la fotografía, del collage y la modificación digital del color y textura. Este fotógrafo y diseñador gráfico procedente de Chicago expresa en sus imágenes una inexistente y nueva Chicago, viva sólo en su imaginario.

Su obra es un canto de amor a una ciudad y a la sencillez de la vida. Sin grandes acrobacias filosóficas que justifiquen su producción, el trabajo de Tim es tan natural como la búsqueda de la belleza en aquellas cosas que alimentan nuestro día a día.
“Quiero que mis fotografías callejeras sirvan para representar lo que veo todos los días y lo que creo que es hermoso. Me gusta fotografiar a la gente, los graffitis, los espacios y los detalles por los que se pasa todos los días y son ignorados. Trato de capturar imágenes de momentos espontáneos en el tiempo que son puros y sin guión. A pesar de que algunas de mis fotografías son un poco oscuras o tristes, aún siento que es hermoso.”

Esa belleza de los detalles cotidianos que quizás pasan desapercibidos, Tim la percibe. Los recoge y acumula como un arqueólogo urbano, influenciado por Chicago, su ciudad, y los Cityscapes que ésta genera. Estas fotografías son la materia prima para el proceso de edición posterior, que colorea de sentimientos subjetivos los muros y calles de su ficticia ciudad particular.

“Mi proceso es siempre un poco diferente para cada obra, pero todos ellos siguen un patrón bastante similar. Mi trabajo siempre comienza con la fotografía. Siempre estoy caminando por la ciudad tomando fotos de cosas que me parecen interesantes. Supongo que lo llamaría fotografía callejera. Después de obtener un sólido conjunto de edificios o tejados fotografiados, entonces me muevo en el collage y la edición conjunta de las mismas. Una vez conformada una composición interesante, comienzo  a añadir algo de color y textura como tratamientos a la pieza. Esta parte es siempre diferente: juego con ella hasta que siento que funciona. Finalmente se hace una fotoedición hasta que se expresan por completo. Yo no sería capaz de crear mi estilo de trabajo sin el uso de la fotografía y del diseño por igual. Para mí van de la mano y son una parte fundamental de mi obra.”
 
El resultado es una composición irreal formada por retazos reales de ciudad, donde línea y color se entrecruzan sensualmente. Como fotógrafo y diseñador, Tim se ve continuamente atraído por el color y las texturas. Si bien su proceso requiere una edición digital, las imágenes de origen poseen ya como atributos ese potencial juego de colores y texturas.
 
“Definitivamente me gusta el uso del color en mi trabajo. En su mayor parte, el color de la obra es fiel a la vida, pero generosamente enfatizado. Creo que la  forma en que los edificios se combinan es lo que realmente hace que éste destaque. Por supuesto que los colores son avivados, pero buscando enfatizar lo que ya está ahí.

[…] Creo que las paredes urbanas son interesantes. Me encanta cómo la ciudad se va cubriendo de graffiti y street art, y cómo éstos se tapan con un color feo como solución. A mis ojos lo empeora, pero me gusta la composición y los contrastes que crean”

 
De la misma manera que las fachadas esconden capa tras capa de pintura los vestigios de intervenciones anteriores, el proceso de edición de Tim Jarosz parece hacer lo mismo, alimentando sus diversas aplicaciones creativas hasta generar ornamentadas interpretaciones de la ciudad original. Su trabajo final, eminentemente visual y estético como diseñador que es, es plenamente vibrante, dinámico y vivo, y es, de alguna manera, la particular visión de Tim hacia su ciudad musa.